Recepcja twórczości – opinie, wywiady/Reception of creativity – opinions, interviews
Joanna Gościej-Lewińska. Przejścia, powroty i przewroty. 30 obrazów / 30 lat, Kraków 2025:
Wystawa „Przejścia, powroty i przewroty. 30 obrazów / 30 lat” prezentuje przekrojowy wybór prac artystki, dla której rok 1994 – moment otrzymania stypendium rządu kanadyjskiego – stał się symbolicznym początkiem samodzielnej, dojrzałej drogi twórczej. Ekspozycja łączy w sobie charakter retrospektywny z prezentacją najnowszych, dotąd niepokazywanych w Krakowie obrazów, powstałych po 2022 roku.
Tytuł wystawy – niejednoznaczny i poetycki – odzwierciedla tematykę prac, balansujących między figuracją a abstrakcją, między pejzażem zewnętrznym a wewnętrznym. „Przejścia” odnoszą się do etapów twórczej ewolucji, „powroty” – do motywów i emocji powracających w malarskich cyklach, a „przewroty” – do momentów przełomowych, widocznych zarówno w treści, jak i formie obrazów.
Zestawienie trzydziestu wybranych prac z ostatnich trzydziestu lat nie tylko ukazuje konsekwencję i rozwój artystycznego języka, ale też pozwala dostrzec jego zmienność i otwartość. W centrum twórczości pozostaje człowiek – jego miejsce w świecie, relacja z naturą, przestrzenią i samym sobą. Artystka z chirurgiczną precyzją portretuje niepokój – ten cichy, wewnętrzny, czasem ledwo dostrzegalny, czasem eksplodujący w geście, spojrzeniu, kompozycji. Fascynuje ją zbiorowość – chwilowa wspólnota tłumu – w której odbijają się skrajne stany duszy i ciała.
Wystawa jest zaproszeniem do wspólnej wędrówki – przez obrazy, przez czas, przez to, co nazwane i nienazwane.
– Magda Studnicka. Przejścia, powroty i przewroty. 30 obrazów / 30 lat, Kraków 2025:
Zjawienia wszystkich tęsknot
Zetknięcie się z twórczością malarską Beaty Bigaj stanowi doświadczenie dojmujące zarówno w kontekście dobieranych przez artystkę wyrazistych i zgoła oryginalnych środków wyrazu, bardziej jednak jeszcze intensyfikuje ten fakt spotkania z jej malarstwem treść ujawniana za ich pomocą. Na ożywionej płaszczyźnie przede wszystkim wielkoformatowych dzieł Bigaj, znacząco dochodzi do głosu – deklarowany zresztą przez samą artystkę – akt ucieczki od swoistej skrupulatności grafiki ku wolności formy, jaką daje właśnie malarstwo.
Ten szczególny zaś moment przejścia, staje się zarzewiem twórczej eksploracji artystki skupionej zwłaszcza na człowieku w jego relacji do siebie, innych, innego… W bardzo charakterystycznych dla niej kompozycjach zbiorowych i symultanicznych najważniejszą rolę zdaje się grać zwykle ludzkie ciało, analizowane jako obszar ekspresji, przemocy, pracy czy przemiany, stale pozostając w relacji z ikonografią religijną, obozową czy społeczną.
Rytm, schemat, automatyzacja ruchów – utrzymane w duchu ekspresjonistycznym inspiracje konstruktywizmem, potęgują dodatkowo egzystencjalny walor tego malarstwa, w którym imponująca wrażliwość na złożoność doświadczeń zyskuje status szczególnej siły odśrodkowej, zdolnej zagarnąć odbiorcę przy jednoczesnym wytrącaniu go z pospolitej przestrzeni beztroski. Tym bardziej zasługuje na uznanie ten rodzaj twórczego zaangażowania, iż podstawę dla jego artykulacji niejednokrotnie stanowi swoista ikonografia osobista malarki, dzięki której to co lokalne, rodzinne ma szansę stać się wspólne, ogólnoludzkie.
Wystawa Beaty Bigaj zatytułowana Przejścia, powroty i przewroty stanowi podsumowanie dorobku artystycznego malarki z ostatnich trzydziestu lat, a sam jej tytuł zdaje się wyrażać istotę kształtującej się w trakcie tych trzech dekad postawy twórczej artystki, jaka opiera się na odtwarzaniu z gruntu egzystencjalnego gestu, uchwyconego na płaszczyźnie płócien pełnych konfliktu, refleksji czy emocjonalnego poruszenia.
Z tego zbioru momentalnych ujęć i stanów granicznych wyłania się ostatecznie obraz człowieka, wobec którego trudno pozostać obojętnym. Jak znów stać się „czującym ciało: pragnienie, oddanie, zdobywanie, utratę, sięganie po coś innego, – po co?”[1] To pytanie stawia nam dzisiaj Beata Bigaj.
[1] G. Benn, Późno (fragment), [w:] tegoż, Jakoś to będzie. 248 wierszy, przeł. A. Lam, Oficyna Wydawnicza ASPRA-JR, Warszawa 2022 s. 245.
– Maria Szcześniak, in: Beata Bigaj. Ludzie i miejsca, Chorzów 2023:
Malarskie symfonie Beaty Bigaj
Malarstwo Beaty Bigaj jest niezwykle spójne i konsekwentne. Wystawa w Miejskiej Galerii Sztuki „MM” w Chorzowie dobrze to ukazuje. Twórczość artystki prezentowana w dwóch salach podzielona została według kryterium tematu.
Pierwszym i podstawowym obszarem zainteresowań artystki jest studium człowieka – istoty skrywającej w sobie niepokój. Ten, tak powszechnie doświadczany, stan ducha przybierać może różne formy: od dyskomfortu myśli, a nawet sumienia, przez konieczność wyrażenia sprzeciwu, aż po strach i wycofanie, skutkujące dręczącym zapadnięciem się w siebie. Tym samym artystka wybiera to, co niewygodne, to, co uwiera. Uważnie śledzi cały wachlarz emocji odbijający się na twarzach – chętnie maluje człowieka w tłumie, co pozwala jej zderzyć ze sobą skrajnie różne typy zachowań i sposoby przeżywania. Pociąga ją różnorodność i przypadkowość tego typu nietrwałej wspólnoty.
Druga część wystawy poświęcona została pejzażom. To samo czujne spojrzenie kierowane dotychczas na człowieka zwraca się teraz na krajobrazy. Artystka pozostaje skupiona na nastroju i niepowtarzalności rozciągającego się przed nią widoku. Trafnie charakteryzuje go syntetycznym, hipnotyzującym ujęciem. Cechą wspólną tych przedstawień jest linia, którą stara się uchwycić w jej płynności i magicznej zdolności rozstrzygania przestrzeni.
Te dwa różne obszary tematyczne, oprócz wspomnianej już uważności patrzenia, łączy własny rozpoznawalny styl artystki. Jest ona obdarzona czymś, co można by nazwać słuchem malarskim i co stanowi cechę charakterystyczną jej twórczości.
Starając się opisać wielofiguralne sceny rozgrywające się przed oczami widza, szybko dostrzegamy staranność z jaką zostały zakomponowane. Artystka potrafi odpowiednio rytmizować przedstawienia – czy to konsekwentnie rozwijając jakiś gest czy pozę (Spadanie, Zaśnięcie, Rewolucja) czy to tworząc sekwencje postaci lub też zwielokrotniając jedną i tę samą osobę (Prysznic, Portret symultaniczny, Prawy do lewego).
Wyczuwamy tempo jej obrazów, słyszymy ogłuszające akordy niektórych kompozycji i zastygłą ciszę innych. O ile spiętrzone wielopostaciowe przedstawienia mają w sobie barokowy pośpiech, dynamizm i siłę, o tyle nieco inna melodyjność większości pejzaży (wciąż jednak intensywnych) nasuwa skojarzenie z łagodniejszym tonem malarstwa Mikalojusa Čiurlionisa (potrafiącego zresztą również świetnie wykorzystać potencjał „zwykłej” horyzontalnej linii).
Rytmiczność i harmonia kompozycji budowana jest też przy pomocy koloru. Oko mechanicznie wychwytuje zbliżone tony i przesuwa spojrzeniem po płótnie. Barwa jest zresztą u artystki wyrazista i niezwykle świetlista. Ta umiejętność zamknięcia światła w obrazie nierzadko zbliża doświadczanie dzieła do odbioru witrażu. Nasuwa także skojarzenie z twórczością innego obdarzonego słuchem malarskim artysty. Wassily Kandinsky podobną świetlistość uzyskiwał jednak przy pomocy bardziej do tego predestynowanej techniki, mianowicie akwareli. Beata Bigaj mistrzowsko buduje formy kolorem kładąc grubo farbę olejną.
Patrząc na jej obrazy widz odczuwa pulsowanie i drżenie, ma wrażenie rozsadzania płótna, wibrowania. To zjawisko na płaszczyźnie języka najtrafniej oddaje muzyczny termin staccato. Co ciekawe, to rwanie formy w scenach figuralnych ustępuje najczęściej miejsca płynnej artykulacji legato w pejzażach.
Powinowactwo sztuk jest zjawiskiem rozpoznanym i dobrze już zadomowionym w kulturze. Nie bez przyczyny tak wiele terminów pozostaje wspólnych dla plastyki i muzyki. Jednak nie każda twórczość plastyczna ma w sobie potencjał (i wytrzymuje samą próbę) interpretacji także w kategoriach muzycznych. Tego typu spojrzenie pozwala doświadczyć obrazu na zupełnie innej płaszczyźnie. Wydobywając jego bogactwo w innym obszarze wrażliwości zwraca uwagę na jego specyficzne wartości. Jest to spojrzenie, które w mniejszym stopniu rozpatruje temat czy symbolikę – oba aspekty obecne w dziełach Beaty Bigaj – jednak wielokrotnie już sygnalizowane w komentarzach jej twórczości. W przedziwny sposób muzyczność jej prac wydobywa wartości głęboko i czysto malarskie jej sposobu obrazowania.
– Ad Arma, in: człowieczeństwo…, Krakow 2022:
I first saw your work in the gallery of Victor in Dordrecht. It intrigued me deeply. Very glad to have that small 20×20 painting in the house. Your work conveys me back to my youth.. 60ties, seventies, to timeless observations, repeated in time.
A bathing scene, street, house, all those kinds of states we dwell along during our lives. A very good observation. With the eye of the outsider looking-in, you notice the moments. The Unseen is Seen. We can feel it. It is recorded.As it Is. No holding back, just the pure essence of the subject. That is a rare talent.
The style of painting is in the sphere, in my feeling, in the classical technique that we find from the times of Socialism. A direct ‘noting’ way of painting. I like that style. Especially in the ‘moving’ images. In depth, the nakedness of the subjects, Pope, Rustin and Lucian Freud call up a same intriguing, a bit uncomfortable awareness. I think that it is because of the intimacy, coming so very close and the participants are unaware of our eyes. Time is frozen. But we are caught in your paintings, too.
Let much more be made. Better than any movie or book.
This is as close as we can get. What keeps it all so accessiblein the same moment, is the honesty ofthe observer ,in this case the artist, that opens these views.
There is this. Just this.
As-Is.
– Paweł Taranczewski in: człowieczeństwo…, Krakow 2022:
O malarstwie Beaty Bigaj
Przebogata twórczość malarska pani Beaty Bigaj powinna się rozwijać, co niełatwe w dzisiejszym kontekście, niesprzyjającym malarstwu sztalugowemu, a niekiedy wręcz mu niechętnemu. Obrazów Beaty Bigaj nie muszę omawiać, jej twórczość jest znana z licznych wystaw krajowych i zagranicznych. Wystarczy jeśli wspomnę, że obrazy te są gwałtowną, a nawet brutalną ekspresją emocji, cierpienia, bólu egzystencji ludzi, którymi nikt właściwie się nie interesuje, których los nikogo nie obchodzi. Władcy nasi nie wychodzą poza deklaracje – próżne. Nie piszę o świecie prawdziwym, piszę o świecie malowanym przez Beatę Bigaj. A świat to okrutny i ponury, zamknięty, bez wyjścia; nie ma w nim nadziei. Obrazy Beaty Bigaj są bardziej ekspresyjne, gwałtowniejsze od płócien niemieckich ekspresjonistów; gwałtowny Ernst Ludwig Kirchner przy niej estetyzuje, bliższa malarstwu Bigaj jest przerażająca batalistyka Otto Dixa. Ekspresja płócien Beaty Bigaj wywleka – tak, wywleka – jakąś rzeźnię ludzi, jakieś łupienie ze skóry, jakieś tortury fizyczne i psychiczne, a także pracę ponad siły, pracę morderczą rodem z koncentracyjnego obozu.
Beata Bigaj nie lukruje rzeczywistości, nie wygładza, nie kryje ludzkiego dramatu, niekiedy tragedii. Woła, krzyczy, wyje: popatrzcie, coś z tym zróbcie, nie omijajcie, nie przechodźcie obojętnie. Jej tak poważny stosunek do ludzkiej rzeczywistości, bynajmniej nie teatralne wołanie o ratunek, zasługują na uwagę.
– Grzegorz Wnęk, in: człowieczeństwo…, Krakow 2022 (part):
Dziś stoję przed najnowszymi pracami Beaty (…) Mimo trudnych tematów, są to obrazy, w których ekspresja ujęta jest w karby formy i przetrawiona przez malarskie środki wyrazu.
I to nadaje im uniwersalność odbioru, co jest dla dzieła sztuki szczególnie ważne.
Nie chciałbym tego pisać, ale te prace są tak współczesne, tak „dzisiejsze”.
Wolałbym napisać, o niespokojnym, nierzeczywistym ekspresjonizmie, może nawet fantazji. O pełnym niepokoju, wewnętrznym świecie autorki.
Niestety to realizm dzisiejszego świata (…), świata, który zrzucił dobrotliwą maskę.
Świata, który jest pełen zbrodni i tragedii, nieludzkich zachowań, ale też pełen poświęcenia i niesienia pomocy.
Nieludzkiemu złu przeciwstawia się potężny „wybuch” dobra, co daje nadzieję. (…)
Przyglądając się ostatnim obrazom Beaty Bigaj, wydaje mi się istotne odczucie, że w tych pracach „wisi” nad odbiorcą niczym miecz nad bezbronnymi coś niepokojącego, coś co może się wydarzyć…
I tak odbieram te prace.
To niemal proroczy cykl, który pyta nas: co się stało z naszym człowieczeństwem?
– Jacek Waltoś, in: Beata Bigaj. BUNT versus pollice verso, Częstochowa 2018:
W tumulcie
Nie znajdzie ukojenia, kto patrzy na obrazy Beaty Bigaj. Znajdzie się raczej w wirze eksplodującej, rozwichrzonej przestrzeni pełnej figur i wizualnych kontrastów. W przestrzeni nieukładnej, figur niepięknych, kolorów zgrzytliwych. Widz tkwi przed spadającym na niego splotem gestów, gwałtowną akcją pomiędzy bohaterami dramatu, zamaszystością ruchów pędzla, rzutami światła i cienia. Krzyżującym się planami: najbliższych z najdalszymi. To powrót do malarskiej przestrzeni zaganiającej widza – tradycja Matejki? Może Chełmońskiego, który – jak kiedyś napisano o Czwórce – stwarza iluzję nie „w głąb obrazu”, ale „ku rzeczywistości”. Tak też działają murale Meksykanów kipiące nadmiarem konfiguracji, nieobce zapewne Malarce zdarzeń niby pospolitych, a skalą i proporcjami rozrosłych monumentalnie.
Bez względu na anegdotę sugerowaną tytułami płócien, widz pozostaje onieśmielony i zadziwiony emocjami jakim poruszani są bohaterowie żywiołowych narracji, trudną do uchwycenia przyczyną zgiełku, spiętrzenia cielesności osób i dynamiki nieustannej przemiany jakiej podlegają wszystkie elementy rozpoznawalnej – czy pozornie? – rzeczywistości. A wreszcie nieustannym konfliktem pojedynczego człowieka ze swoim otoczeniem, z kolorystyką która mogłaby wspomagać a raczej bywa sprzeczna z prawami fizyki a także estetycznej harmonii. Ekspresyjna opozycja wszystkiego ze wszystkim: wrażenie tumultu który jest źródłem tego malowania i definiuje jego odśrodkową energię. Kadry zarówno z codziennej bieganiny co z niezwykłych wydarzeń potwierdzają obecność nieustannego dramatu. Rzeczywistość pozbawiona odświętnej pozy, konwencji i ceremonii. To raczej nieustanne zmagania, wzajemne przesilenia – żeby nie powiedzieć: walka.
Skojarzenia z sekwencjami Wesela Andrzeja Wajdy i równocześnie Wojciecha Smarzowskiego przychodzą do głowy widzowi „filmu” Beaty Bigaj, obrazów życia nasyconych równocześnie symbolicznym piętnem i reportażem z pospolitości.
Byłoby to może malarstwo rodzajowe – dawno porzucone na rzecz fotografii biorącej z niego swój rodowód – gdyby nie stan kulminacji energii malarskiej, przekształcającej świat oglądany w świat wyrażany. A jednak Beata Bigaj wybrała obserwację za miarę sztuki: nie ma w niej ani egzaltacji ani wzgardy dla widzianego świata wokół. Najczęściej bliskiego sobie, najbliższego. Tradycje realizmu jako postawy poznawczej i też stylu historycznego są rozpoznawalne a myśl o Pieterze Brueghlu powraca. Z klisz pamięci, z jej emocjonalnych, często nieuświadomionych wątków narastają erupcje malarskie. Gwałtowne i szorstkie – dalekie od utopii piękna, jakie sztuka często buduje mając na względzie abstrakcyjne idee. Tu nawet o czarach malarskich procederów trudno mówić i raczej podziwiać można siłę i trafność wymowy obrazu. Odnajdujemy wierność swojemu doświadczeniu – widzeniu zaborczemu i malowaniu zgodnie ze swoim temperamentem. A jest ono poruszające. Dosłownie, bo nie dające spokoju.
– Małgorzata Dorna, Utracone piekło realizmu. Misterium męki i ocalenia, 2018:
W malarstwie Beaty Bigaj słońce nie pojawia się nigdy. Gdyby się jednak pojawiło – byłoby to zapewne „czarne słońce”, znane z poezji francuskich symbolistów lub z katastroficznych tekstów polskich romantyków. Brak tu żywiołu powietrza i Ziemi. Jest żywioł ognia i nieba. Niebo rozmalowane w całej gamie ciężkich brunatnych czerwieni, aż po nasycone ciepłem pulsujące brązy, zielenie, fiolety, błękity nie daje ukojenia. Nie wabi lazurem i ciszą, nie chroni półprzejrzystym kloszem, nie obiecuje zbawienia, nie zwiastuje spacerów po lunatycznych ogrodach, nie zapowiada niebytu, zawieszenia w bezkresnych przestrzeniach, zjednoczenia się w duchowej harmonii z Absolutem. Nie uwodzi nadzieją na zanurzenie się w krystalicznej bieli obłoków pod szklanym okiem, przeszytej chłodem, obojętnej Opaczności. Niebo buzuje i płonie. Jak w barokowym koncepcie, literackim pomyśle, organizującym kunsztowną wypowiedź w dogłębnie przeżytą, ostateczną i zadziwiającą całość. Jednak podczas gdy celem sztuki baroku było budzić zdziwienie, niepokoić, poruszać, to celem tego malarstwa jest czysta, in statu nascendi, EKSPRESJA.
Wzorem reprezentantów metafizycznego nurtu XVII-wiecznej, budowanej na kontraście i antytezie poezji, tworzących wizerunek człowieka osaczonego, skazanego na wieczne bojowanie, doświadczającego nieustannej obecności śmierci, Beata Bigaj zapisuje ekstremalne, zmagające się w walce, niekiedy niszczące się wzajem, kiedy indziej ulegające wzmocnieniu, pierwotne, nieokiełzane namiętności. Z budzącą przerażenie precyzją demaskuje, obnaża utajone żywioły uczuć, pokazanych przez pryzmat deformacji, groteski, karykaturalnych przerysowań. Każdą z jej prac cechuje ogromny ładunek emocji, zdających się rozsadzać od wewnątrz ramy umownie ograniczające strukturę, układających w tematyczne sekwencje i cykle, atakujących nas zewsząd, wielkoformatowych obrazów.
Nieprzypadkowo rezygnuje też z rytmu uporządkowanej opowieści, z rytmu narracji rozwijającej się linearnie w czasie. Jest bowiem malarką momentalnych ujęć i scen, malarką fizycznego, niemal biologicznego doświadczania pełnej tragizmu, intensywnej obecności człowieka „tutaj i teraz”, w konkretnej przestrzeni i czasie. Jest także malarką dramatycznych teatralnych gestów, apokaliptycznych wizji, cokolwiek dzisiaj to znaczy. Jest wreszcie artystką doskonale czującą kolor i formę, organiczną materię pulsującej życiem, zmysłowej tkanki obrazu. Maluje z rozmachem i pasją, po mistrzowsku operując nasyconą światłem, miękko położoną, migotliwą, sugerującą nietrwałość i zmienność „poruszonego świata” plamą. Zdaje się kochać kolor, ale wielość przenikających się barw nie czyni jej prac radosnymi. Tworzy bowiem krainy nieoswojone i mroczne, przestrzenie budowane na spięciach, pełne dramaturgicznych kontrapunktów, zagęszczone, pokazujące człowieka w sposób symultaniczny, na bliskich planach, od wewnątrz i zewnątrz zarazem. Człowieka rozdartego, „rozdwojonego w sobie”, wydanego na pastwę samotności w tłumie, wydanego na żer niekończącej się walki z sobą samym, wystawionego (jak na podmuch burzy i wichru) na nieuchronność wyroków Losu, na bolesną pewność ostatecznej klęski i rozpaczy.
Dla nas, zanurzonych w magmie kultury masowej, dla nas, „mieszkańców masowej wyobraźni” (jak zwykł pisać w swej katastroficznej przepowiedni niezapomniany KTT)[1], obecność prac Beaty Bigaj nabiera istotnego, brzemiennego w skutki znaczenia. Stajemy zatem twarzą w twarz z dziełem, które nakazuje nam spojrzeć w głąb siebie, zapomnieć o konwencji, zajrzeć w ową otchłań wewnątrz. „Bądź najlepszą wersją samego siebie” – czytamy na reklamowych billboardach. Wykreuj swój wizerunek publiczny, popraw swój wizerunek prywatny. Przymierz tę maskę i rolę. Mów tekstem. I odrzuć prawdę o sobie jak niemodny, przenoszony łach.
Stać cię na to. Jesteś tego warta. Warta tej szminki, tej twarzy. Dopasuj sobie tę twarz. To twarz skazana na sukces, twarz harmonijna i piękna, powtórzona (jak w odpryskach diabelskiego zwierciadła) w tysiącach doskonałych egzemplarzy. Można obnosić ją z wdziękiem po ulicach czystego, opromienionego blaskiem reflektorów (jak milionami sztucznych, oślepiających słońc) nowoczesnego miasta. Współczesnego Legolandu, zbudowanego z modułów ekologicznych, funkcjonalnych, dobrze zaprojektowanych domów. Kup sobie baton „Bounty”. Poczuj w sobie smak Raju. To słodki, pachnący kokosem, egzotyczny i jakże pożądany smak kultury masowej. Daj się ponieść ku światom wyidealizowanym, nieskażonym nawet cieniem obecności faktów, niedotkniętym nawet tchnieniem realizmu. Wszak realizm jawi się człowiekowi naszego stulecia jako celnie wymierzony „w samo sedno” palec, tak kłopotliwej, w istocie niechcianej i niekochanej, nieeleganckiej Prawdy. Co gorsza, jeżeli odwołać się do doświadczeń ekspresji „Młodych Dzikich” z lat osiemdziesiątych minionego stulecia, palec ten jawi się raczej jako nabrzmiały, brudny i niezbyt estetyczny „paluch”. Unikaj dotknięcia palucha. Zapomnij na zawsze o Prawdzie. Prawda uwiera i boli. Prawda okazuje się katem bez białych rękawiczek, z maską cierpienia na zakapturzonej twarzy, z maską, która chroni przed groteskową śmiesznością. Prawda ostatecznie zabija. I tylko wobec Niej stajemy obnażeni i odkryci, bez rekwizytu, bez roli, wyrwani z kulturowego lub społecznego kontekstu.
„Każda użyteczna metoda i tworzywo służące ekspresji jest ważne dla wyobraźni, to znaczy – ujawniania kształtu przeżyć. Pokazujemy to, co robimy, swój warsztat, by ujawnić myśli i wyobrażenia w jej bezpośredniej, często pierwszej postaci” – deklarowali w marcu 1966 założyciele krakowskiej Grupy „Wprost” przy okazji otwarcia pierwszej, programowej wystawy w Świetlicy Wyspiańskiego w Pałacu Sztuki. Członkowie Grupy pragnęli mówić „wprost”, językiem malarskiego reportażu, językiem bliskim „literaturze faktu”, demaskując, obnażając do granic wytrzymałości odbiorcy prawdę o człowieku i świecie. A była to prawda gorzka, bolesna, kwestionowana przez wszechobecną wówczas cenzurę, umiejętnie zakamuflowana przez (posługujące się Orwellowską „nowomową”) władze.
Kiedy w latach siedemdziesiątych w liczących się w PRL-u galeriach zaczęto pokazywać utrzymane w szarości i różach, a czasami w pastelowych fioletach wielkoformatowe obrazy Zbyluta Grzywacza, przewrotnie nawiązujące do estetyki romantyzmu, kompozycje Jacka Waltosia i słynne (zdecydowanie bardziej uładzone, estetyczne) Piety w dwój- lub trójnasób naznaczone piętnem celowych niedomówień, wątpliwości i niewiary – co rusz wybuchały skandale. Dzieła owych buntowników, odciskających wyraźne piętno swej (jakże niepożądanej z punktu widzenia przedstawicieli oficjalnego nurtu kultury tamtego okresu) obecności, buntowników występujących jawnie przeciwko abstrakcji i koloryzmowi, raniły bowiem nie tylko uczucia religijne, kwestionowały uznane systemy wartości, występowały przeciwko akademizmowi, lecz także budziły odrazę swym brakiem harmonii, dosadnością i chropawością przekazu, niekiedy jawną szpetotą.
Do owej potrzeby mówienia „wprost”, jednoznacznie, wyraźnie i dosadnie, bez znieczulenia nawiązywało (paradoksalnie odrzucające wszelkie dziedzictwo i tradycję) pokolenie ekspresjonistów lat osiemdziesiątych. Pokolenie, którego dramatyczny głos nie wybrzmiał jeszcze na salonach sztuki, nie przeszedł w stonowany szept, mimo że liczni przedstawiciele tamtej grupy są dzisiaj profesorami Akademii, prowadzą własne galerie, wydawnictwa. Ekspresja jest nadal obecna, podobnie jak coraz mocniej zaznacza się w naszym życiu potrzeba teatralizacji, pojmowanej nie powierzchownie, jako forma udawania, imitowania, przybierania masek i ról, lecz jako działanie performatywne, poza przestrzenią sceny. Malarstwo Beaty Bigaj wychodzi także poza płaszczyznę ograniczonego ramą obrazu, w którym jak w soczewce ogniskują się nasze niepokoje i lęki, nasze obsesje i zawirowania, w którym dokonuje się odwieczne misterium męki i odkupienia. Jak w sferze sacrum i mitu czas tutaj biegnie inaczej, ulega zagęszczeniu, zatrzymaniu. Ów „kolisty czas wiecznych powrotów” (jak nazywała to sugestywnie prof. Maria Janion w wykładach prowadzonych na Uniwersytecie Gdańskim w drugiej połowie ubiegłego stulecia) wprowadza nas w magiczny krąg, w krąg wirujących, wznoszących się i upadających, nieledwie odzianych, wpółnagich, mocno oświetlonych od strony widowni ciał. Cielsk wyrzeźbionych sztucznym, agresywnym światłem, poskręcanych i wielkich, niekiedy ułomnych i chromych, kiedy indziej masywnych, dobrze wymodelowanych, naznaczonych piętnem indywidualizmu, rozpoznawalnych w odwiecznym korowodzie. W odwiecznym korowodzie śmierci i narodzin.
[1] 1 Krzysztof Teodor Toeplitz, Mieszkańcy masowej wyobraźni, Biblioteka Myśli Współczesnej, PWN, Warszawa 1970
– Stanisław Rodziński in: Beata Bigaj – Malarstwo/Grafika, Kraków 2007:
Beata Bigaj – biorąc pod uwagę daty Jej noty biograficznej jest na początku twórczej drogi.
Kiedy jednak patrzymy na Jej obrazy, rysunki i grafiki postrzegamy co najmniej dwa problemy pozwalające już dzisiaj określić tę drogę jako wybitną.
Beata Bigaj w czasie zamętu panującego w sztuce, wobec zachwiania i relatywizowania wartości, a nawet sensu malarstwa – maluje z uporem i żarliwością.
Co prawda czytałem ostatnio, że śmierć malarstwa została odwołana na jakiś czas przez kuratorów i krytyków zajmujących się sztuką aktualną i modną, ale to właśnie Beata Bigaj swoim malowaniem sygnalizuje, że nie ważne są bzdury, a najważniejsze są godziny przed sztalugami.
Na obrazach Artystki widzimy więc ludzi mocnych i umięśnionych, ale i bezradnych, bezdomnych, samotnych.
Patrzymy na martwe natury, a szczególnie w grafikach Beata Bigaj odkrywa w bielach i szarościach siłę i dramat obecny na obrazach.
Niezależnie od tego czy człowiek na dużych czy mniejszych płótnach malarki to tak jak w poliptyku „Czym jest prawda” – Chrystus i otaczający go apostołowie, czy jak w „Kolejce podziemnej” czy na przejmującej „Arenie” – to malowani ludzie są tak samo samotni, zmęczeni i cierpiący.
Jeżeli nawet są siłaczami i mają potężne bicepsy – to wydaje się, że udają, a nieraz zasłaniają twarze by paparazzi nie ujawnili prawdy.
Tak więc teatrum Beaty Bigaj to szczególnego rodzaju powtarzający się niezmienny motyw „Ecce Homo”, to dramatyczne rozważanie o życiu i śmierci, o pozorach siły, o zagubieniu i bezradności, ale i o prawdzie, której malarka uparcie poszukuje i którą krok po kroku odkrywa.
Droga jaką wybrała dla siebie i swego malarstwa Beata Bigaj, to droga trudna bo pozbawiona pozorów i efektów.
Patrząc na rodzaj ekspresji, na materię malarską, na kolor i strukturę postaci i przedmiotów – warto mieć świadomość, że Artystka niczego sobie nie ułatwia, a może nawet stawia sobie cele coraz trudniejsze, podejmując ryzyko w równym stopniu dotyczące treści i formy malowanych płócien.
Ten cel jest taki sam jak przed setkami i dziesiątkami lat.
Chodzi po prostu o to by malowanie nie było efektownym cyrkiem, lecz trudnym bardzo, niemal codziennym poszukiwaniem prawdy.
Ten upór i siłę widzę w obrazach Beaty Bigaj.
Andrzej Siwek in: Beata Bigaj – Malarstwo/Grafika, Kraków 2007:
Barwy i odniesienia
Obrazy Beaty Bigaj można odbierać wrażeniowo. Można ulec emanującej z nich sile barw, dramaturgii gestu, wplątać się w poszukiwanie anegdoty. Zajmujące będzie poddawanie się nastrojom, które owe obrazy niosą. Trudno pozostać obojętnym na intensywne czerwone tło, niebieskości, akcent fioletu, różu, zieleni, kolory mocne, nasycone, aż agresywne niekiedy, a zarazem współtworzące obraz o wewnętrznej logice, skupiający uwagę widza. Nie można ignorować gestów wyrazistych, czasem gwałtownych, czasem malarsko uchwyconych w ruchu. Napotkane w obrazach postaci i przedmioty rozpoznajemy od rzutu oka, a zarazem dajemy się im wciągnąć w zabawę z odkrywaniem znaczeń, dopowiadaniem treści. Takie spojrzenie na obraz Beaty Bigaj jest najprostsze, dostępne każdemu, kto się z nimi zetknie, niejako naturalne. I jest to spojrzenie, które może dać wiele satysfakcji estetycznej, wzbudzić emocje, lub refleksje. Na tym stwierdzeniu właściwie można by poprzestać w komentowaniu malarstwa Beaty Bigaj. Fakt, że przyciąga uwagę, zatrzymuje (!) widza, wywołuje reakcję, jest już znaczącym sukcesem w dzisiejszym rozpędzonym i atakującym bodźcami świecie. W świecie rozpasanej komunikacji wizualnej, gdzie niemal każdą historię opowiada się za pomocą ruchomych obrazków, lub ideogramów, przetestowanych w masowej skali, dopowiedzianych do ostatniej kropki. W takim kontekście dialog z widzem, który prowokuje autorka obrazów, przekazująca za pomocą barw, gestu i kompozycji swą wrażliwość, ma wymiar fenomenu kulturowego. Bo dialog ten można toczyć rozmaicie. Może stać się pretekstem do rozważań o pięknie, do refleksji nad losem człowieczym, może dać moment wytchnienia lub być rozrywką intelektualną. Kształt owego dialogu zależy od wrażliwości widza, od jego gotowości do przyjmowania (lub odrzucania) tego, co w obrazie pokazano i tego, co dostrzeże.
Trudno oprzeć się w tym miejscu refleksji, że ów wrażeniowy odbiór malarstwa Beaty Bigaj, jakkolwiek naturalny i satysfakcjonujący, nie jest wystarczający. Malarstwo to niesie w sobie większe bogactwo przekazu. Widz dysponujący arkanami wiedzy o dziejach sztuki, świadom nawarstwień kultury może dostrzec więcej. Bowiem twórczość Beaty Bigaj jest akademicka w najlepszym słowa tego znaczeniu. W Jej malarstwie odnajdujemy wszystko to, co akademia miała wnosić i niekiedy wnosiła, w sferę twórczych porywów artystycznych.
Akademia u swych antycznych, greckich źródeł była swoistym stowarzyszeniem intelektualistów. Tworzyli oni forum wymiany myśli, jeśli kształcili, to w drodze dyskusji, w drodze wspólnego dociekania prawd i istoty rzeczy. W czasach nowożytnych włoscy humaniści i artyści odrodzili ideę akademii tocząc dysputy o sztuce, studiując dzieła mistrzów. Z czasem akademie sztuk pięknych podjęły też trud kształcenia, uległy formalizacji, zostały zaliczone w poczet elitarnych instytucji państwowych. Jednak czy zainteresuje nas florencka Accademia delle Arti del Disegno G. Vasariego, czy sięgające szczytów uznania akademie dziewiętnastowieczne, czy wreszcie krakowska, szacowna ASP, to pewne rysy wspólne zawsze będą dostrzegane. Istotą sztuki akademickiej jest bowiem wymiar intelektualny twórczości, wirtuozeria warsztatowa, stosunek do modela, do rzeczywistości oraz świadomość tradycji i konieczności poznawania prawideł sztuki. Owe prawidła budziły zawsze najwięcej nieporozumień. Krytycy widzieli w nich wędzidło twórczości. Przeciwstawiali Akademii sztukę wyzwoloną. Jednak łatwo zapominamy, że z czasem akademikami zostawali najbardziej niepokorni – nazareńczycy, impresjoniści, artyści z kolejnych grup awangardy. Ba! Nawet ci, którzy programowo odrzucali kanon akademicki, wszelkie reguły i ascendencje, tak na prawdę bez nich nie doszliby do swych osiągnięć. Czym byłyby przewrót fowistów, demonstracje dadaistów, bezkompromisowość informelu, czy action painting, a nawet język popartu, lub performance gdyby nie tradycja przeciw której można wzniecać bunty?! Można by rzec, że sztuka nie znosi podziałów, a kategoryzacja służy tylko jej opisowi.
Jednak rzeczą historyka sztuki jest opisanie zjawiska artystycznego. Stąd przy założeniu, że twórczość artystyczna mieści się w jednym, nieprzerwanym nurcie rozwoju kultury, można wskazywać na związki tego, czy innego dzieła, z bliżej definiowanym kręgiem artystycznym.
Przy krytycznym spojrzeniu na obrazy Beaty Bigaj dostrzegamy szereg związków z tradycją akademicką. Artystka posługuje się dopracowanym warsztatem malarskim. Uważnie bada naturę, chętnie maluje z modela, używając go jako tworzywa do wyrażenia nieuchwytnej zdawałoby się emocji, myśli, wrażenia. Podobnie jej studium martwej natury ma zazwyczaj dwoistą istotę. Jest w nim obserwacja przedmiotu, czasem banalnego, lub zaskakującego w kontekście sztuki, czasem wybranego z rozmysłem, osobistego niemal. Lecz zawsze nie wirtuozeria przedstawienia przedmiotu jest celem, a przekaz malarski, znacznie bardziej złożony od komunikatu – „oto rower w czerwieni i żółci”. Sama Artystka stwierdza: „Malarstwo jest dla mnie możliwością uchwycenia różnego rodzaju odczuć wobec rzeczywistości.”[1] Prace Beaty Bigaj tchną wewnętrzną siłą uzyskaną dzięki sumie przeżycia, przemyślenia i sprawności technicznej, a talent sprawia że są to dzieła oryginalne, choć nie wyrwane z kontekstu kultury. Malarka stając przed płótnem podejmuje trud odkrywania. Sama stwierdza: „Obrazy stają się próbą zapisu przestrzenności formy, napięcia pomiędzy formami, relacji kolorystycznych jednostkowych, lub zaistniałych w sytuacji występowania przedmiotów obok siebie.” To intelektualne podejście do twórczości, jakże bliskie sposobom patrzenia włoskich mistrzów odrodzenia. Artystka ma świadomość tradycji swego kunsztu. Wspomina o studiowaniu i przeżywaniu dzieł Michała Anioła, Caravaggia, Goi, Picassa i Bacona. Inni dostrzegaj w jej twórczości echa wpatrzenia w obrazy Soutina, De Kooninga[2], Rouaulta, malarzy z kręgu École de Paris, czy manierystów włoskich z kręgu Rossa Fiorentini lub Beccafumiego.[3] Ten krąg odniesień można by poszerzyć. Choćby o wspomnianych mistrzów renesansu podchodzących do dzieła malarskiego, jak do problemu filozoficznego. Studium postaci przywodzi na myśl pasję Mantegni w dążeniu do przedstawienia leżącego Chrystusa. Lecz są i bliższe skojarzenia. Śmiałość w stosowaniu koloru bliska źródeł ekspresjonizmu, złagodzona refleksyjnością, właściwą doświadczeniom z pracowni S. Rodzińskiego. Dramaturgia gestu, doceniana w krakowskiej Akademii od zarania, obecna z symbolicznym podtekstem w dziełach Malczewskiego, czy z niezrównaną mocą, we współczesnej szacie stylistycznej, w obrazach i grafice G. Bednarskiego. Podejmowanie klasycznych wątków ikonograficznych – od studium postaci i martwej natury, po Ukrzyżowanie, obecnych w sztuce europejskiej „od zawsze”. Jednak mnożenie analogii, wskazywanie pokrewieństw nigdy nie wyjaśni do końca fenomenu twórczości. Wielość skojarzeń dowodzi owej akademickości, zanurzenia w tradycji kultury Europy. Natomiast indywidualizm decyduje o niepowtarzalności dzieł. Artystka wstępuje w ślady mistrzów, którzy mierzyli się z węzłowymi problemami malarskimi, rozwiązując je w sposób oryginalny. Wnosi swoją wrażliwość i spojrzenie na świat poparte dyscypliną warsztatu malarskiego. Nic dziwnego, że obrazy te budzą zainteresowanie, że mają już miejsce w krakowskim Muzeum Narodowym.
Obrazy Beaty Bigaj pozostają elementem dialogu między artystą, rzeczywistością, tradycją i widzem. Jej stwierdzenie, że malując: „Walczę z płaskością płótna, materią, formą, kolorem. Ostateczna forma malarska jest efektem przemyśleń, sensualnego i metafizycznego odbioru obserwowanych rzeczy, przetrawiania ich i przetwarzania.” wskazuje jak buduje się forma artystyczna. Odczytanie jej to fascynująca przygoda, radość patrzenia, a zarazem test na indywidualną wrażliwość odbiorcy.
Andrzej Siwek
[1] Wszystkie przytaczane wypowiedzi Beaty Bigaj pochodzą z publikacji dysertacji doktorskiej „Figura i odniesienie”, obronionej w krakowskiej Akademii Sztuk Pięknych w 2005, Zeszyty Naukowo-Artystyczne nr 7.
[2] J. Waltoś, Recenzja pracy „Figura i odniesienie”, mpis. 2005.
[3] G. Bednarski, „Opinie do…”, mpis. 1997, 2004.
Joanna Gościej-Lewińska. Transitions, Returns and Overturns. 30 Paintings / 30 Years, Kraków 2025:
Transitions, Returns, and Upheavals. 30 Paintings / 30 Years, Kraków 2025: The exhibition “Transitions, Returns, and Upheavals. 30 Paintings / 30 Years” presents a cross-section of the artist’s works, for whom the year 1994 – the moment of receiving a Canadian government scholarship – became a symbolic beginning of an independent, mature creative journey. The exhibition combines a retrospective character with a presentation of the newest paintings, previously unseen in Kraków, created after 2022. The exhibition’s title – ambiguous and poetic – reflects the theme of the works, balancing between figuration and abstraction, between the external and internal landscape. “Transitions” refer to stages of creative evolution, “returns” – to motifs and emotions recurring in painting cycles, and “upheavals” – to breakthrough moments, visible both in the content and the form of the paintings.
A compilation of thirty selected works from the last thirty years not only shows the consistency and development of the artistic language, but also allows one to notice its variability and openness. At the center of the work remains the human being – their place in the world, their relationship with nature, space, and themselves. The artist portrays anxiety with surgical precision – the quiet, internal kind, sometimes barely noticeable, sometimes exploding in a gesture, a glance, a composition. She is fascinated by collectivity – the temporary community of a crowd – in which the extreme states of soul and body are reflected.
The exhibition is an invitation to a shared journey – through images, through time, through what is named and unnamed.
– Magda Studnicka. Transitions, Returns and Overturns. 30 Paintings / 30 Years, Kraków 2025:
Manifestations of All Longings
Encountering the painting of Beata Bigaj constitutes a poignant experience, both in the context of the expressive and altogether original means of expression chosen by the artist; yet even more so, this encounter with her painting is intensified by the content revealed through them. On the animated surface—primarily of Bigaj’s large-format works—there resounds strongly, as the artist herself declares, an act of escape from the particular meticulousness of graphic art toward the freedom of form that painting precisely provides.
This particular moment of transition becomes the seed of the artist’s creative exploration, focused especially on the human being in relation to oneself, to others, to the Other… In her very characteristic collective and simultaneous compositions, the most important role seems usually to be played by the human body, analyzed as a field of expression, violence, labor, or transformation, while constantly remaining in relation to religious, camp, or social iconography.
Rhythm, pattern, automation of movements—maintained in the spirit of expressionist inspirations by constructivism—further intensify the existential value of this painting, in which an impressive sensitivity to the complexity of experiences gains the status of a particular centrifugal force, capable of drawing the viewer in while simultaneously dislodging them from the ordinary space of carefree ease. All the more deserving of recognition is this kind of creative engagement, since the basis for its articulation is often a specific personal iconography of the painter, thanks to which what is local and familial has the chance to become shared, universal.
The exhibition by Beata Bigaj titled *Passages, Returns and Reversals* constitutes a summary of the painter’s artistic achievements from the last thirty years, and its very title seems to express the essence of the artistic attitude that has taken shape over these three decades—one based on the re-creation of a fundamentally existential gesture, captured on the surfaces of canvases filled with conflict, reflection, or emotional agitation.
From this collection of instantaneous depictions and borderline states, an image of the human being ultimately emerges—one toward which it is difficult to remain indifferent. How can one once again become a “feeling body: desire, devotion, gaining, loss, reaching for something else—for what?”[1] This is the question Beata Bigaj poses to us today.
[1] G. Benn, Late (fragment), in: the same author, It Will Somehow Be. 248 Poems, trans. A. Lam, Oficyna Wydawnicza ASPRA-JR, Warsaw 2022, p. 245.
– Maria Szcześniak, in: Beata Bigaj. People and Places, Chorzów 2023:
Symphonic Paintings of Beata Bigaj
Beata Bigaj’s painting is extremely coherent and consistent. The exhibition at the Municipal Art Gallery “MM” in Chorzów illustrates this well. The artist’s work, displayed in two rooms, has been divided according to thematic criteria.
The primary and fundamental area of the artist’s interest is the study of humans – beings who harbor inner unrest. This universally experienced state of mind can take various forms: from the discomfort of thoughts, or even conscience, through the need to express dissent, to fear and withdrawal, resulting in a tormenting retreat into oneself. In this way, the artist chooses what is uncomfortable, what irritates. She closely observes the full range of emotions reflected on faces – she eagerly paints people in crowds, which allows her to juxtapose extremely different types of behavior and ways of experiencing. She is drawn to the diversity and randomness of this kind of ephemeral community.
The second part of the exhibition is dedicated to landscapes. The same attentive gaze previously directed at humans now turns to the scenery. The artist remains focused on the mood and uniqueness of the view unfolding before her. She captures it effectively through a synthetic, hypnotic approach. A common feature of these depictions is the line, which she strives to capture in its fluidity and magical ability to define space.
These two different thematic areas, besides the aforementioned careful observation, are connected by the artist’s own recognizable style. She is endowed with what could be called a painterly ear, which is a distinctive feature of her work.
In trying to describe the multi-figure scenes unfolding before the viewer, one quickly notices the meticulousness with which they are composed. The artist knows how to rhythmically structure her depictions – whether by consistently developing a gesture or pose (Falling, Falling Asleep, Revolution), creating sequences of figures, or multiplying the same person (Shower, Simultaneous Portrait, Right to Left).
We sense the tempo of her paintings; we hear the deafening chords of some compositions and the frozen silence of others. While the piled-up, multi-figure representations contain a Baroque haste, dynamism, and force, the somewhat different melodiousness of most landscapes (still, however, intense) brings to mind the gentler tone of the painting of Mikalojus Čiurlionis (who, moreover, was also able to make excellent use of the potential of the “ordinary” horizontal line).
The rhythmicity and harmony of the compositions are also built with the help of color. The eye mechanically catches similar tones and moves its gaze across the canvas. Color, moreover, in the artist’s work is expressive and extraordinarily luminous. This ability to enclose light within the painting often brings the experience of the work close to the perception of stained glass. It also evokes associations with the work of another artist endowed with a painterly ear. Wassily Kandinsky, however, achieved a similar luminosity with the help of a technique more predisposed to it – namely watercolor. Beata Bigaj masterfully constructs forms with color, applying thick oil paint.
Looking at her paintings, the viewer feels pulsation and trembling, has the impression of the canvas bursting apart, vibrating. This phenomenon, on the level of language, is most accurately conveyed by the musical term staccato. Interestingly, this tearing of form in figurative scenes most often gives way to the smooth articulation of legato in landscapes.
The affinity of the arts is a recognized phenomenon and one that has long been well established in culture. It is not without reason that so many terms remain shared by the visual arts and music. Yet not every visual artwork contains the potential (or withstands the very attempt) to be interpreted also in musical categories. Such a perspective allows one to experience a painting on a completely different plane. By bringing out its richness in another area of sensitivity, it draws attention to its specific values. It is an approach that considers the theme or symbolism to a lesser extent – both aspects present in the works of Beata Bigaj – yet repeatedly signaled in commentaries on her art. In a peculiar way, the musicality of her works brings out the deeply and purely painterly values of her manner of depiction.
– Ad Arma, in: humanity…, Kraków 2022:
Po raz pierwszy zobaczyłem Twoją pracę w galerii Victora w Dordrecht. Bardzo mnie zaintrygowała. Bardzo się cieszę, że mam w domu ten mały obraz 20×20. Twoja praca przenosi mnie z powrotem do mojej młodości… lat 60. i 70., do ponadczasowych obserwacji, powtarzających się w czasie.
Scena kąpieli, ulica, dom – wszystkie te stany, wzdłuż których przebywamy w ciągu naszego życia. Bardzo trafna obserwacja. Okiem outsidera patrzącego z zewnątrz dostrzegasz te momenty. Niewidzialne staje się widzialne. Możemy to poczuć. Jest to zarejestrowane. Takie, jakie jest. Bez powstrzymywania się, tylko czysta esencja tematu. To rzadki talent.
Styl malowania znajduje się – w moim odczuciu – w sferze klasycznej techniki, którą odnajdujemy w czasach socjalizmu. Bezpośredni, „notujący” sposób malowania. Lubię ten styl. Szczególnie w obrazach „w ruchu”. W głębi, nagość tematów – Pope, Rustin i Lucian Freud – przywołuje to samo intrygujące, trochę niekomfortowe poczucie świadomości. Myślę, że wynika to z intymności, z bardzo bliskiego podejścia, podczas gdy uczestnicy nie są świadomi naszego spojrzenia. Czas jest zamrożony. Ale my również jesteśmy uchwyceni w Twoich obrazach.
Niech powstanie ich znacznie więcej. Lepsze niż jakikolwiek film czy książka.
To jest tak blisko, jak tylko możemy się znaleźć. Tym, co sprawia, że wszystko pozostaje tak dostępne w tej samej chwili, jest uczciwość obserwatora – w tym przypadku artysty – która otwiera te widoki. Jest to. Po prostu to.
Takie, jakie jest.
– Paweł Taranczewski in: humanity…, Kraków 2022:
On Beata Bigaj painting
The immensely rich body of painting by Beata Bigaj ought to continue to develop, which is not easy in today’s context, one that is unfavourable to easel painting and sometimes even hostile to it. I do not need to discuss Beata Bigaj’s paintings; her artistry is known from numerous exhibitions at home and abroad. It is enough to mention that these paintings are a violent, even brutal expression of emotions, suffering, pain, and the existence of people in whom, in fact, no one is interested, whose fate no one cares about. Our rulers do not go beyond declarations – empty ones. I am not writing about the real world; I am writing about the world painted by Beata Bigaj. And it is a cruel and gloomy world, closed, without an exit; there is no hope in it. The paintings of Beata Bigaj are more expressive, more violent than the canvases of the German Expressionists; the violent Ernst Ludwig Kirchner aestheticizes in comparison to her, while the terrifying battle scenes of Otto Dix are closer to Bigaj’s painting. The expression of Beata Bigaj’s canvases drags out – yes, drags out – some slaughterhouse of people, some flaying of skin, some physical and psychological tortures, as well as work beyond one’s strength, murderous labor straight out of a concentration camp.
Beata Bigaj does not sugarcoat reality, does not smooth it over, does not conceal human drama, sometimes tragedy. She calls, shouts, howls: look at this, do something about it, do not avoid it, do not pass by indifferently. Her very serious attitude toward human reality – by no means a theatrical cry for help – deserves attention.
– Grzegorz Wnęk, in: humanity…, Kraków 2022 (part):
Today I am standing in front of the latest works of Beata (…) Despite their difficult themes, these are paintings in which expression is captured within the grooves of form and processed through painterly means of expression.
And this gives them a universality of perception, which is particularly important for a work of art.
I would not like to write this, but these works are so contemporary, so “of today.”
I would rather write about restless, unreal expressionism, perhaps even fantasy. About the author’s inner world, full of anxiety.
Unfortunately, it is the realism of today’s world (…), a world that has shed its benevolent mask.
A world full of crimes and tragedies, inhuman behaviors, but also full of dedication and offering help.
Against inhuman evil stands a powerful “eruption” of good, which gives hope. (…)
Looking at the latest paintings of Beata Bigaj, it seems important to me that there is a feeling that in these works something disturbing “hangs” over the viewer like a sword over the defenseless, something that could happen…
And this is how I perceive these works.
It is an almost prophetic cycle that asks us: what has happened to our humanity?
– Jacek Waltoś, in: Beata Bigaj. BUNT versus pollice verso, Częstochowa 2018:
In Tumult
Those who look at Beata Bigaj’s paintings will not find solace. They will more likely be swept into a whirlwind of exploding, unruly space full of figures and visual contrasts. A space that is unstructured, with unattractive figures and jarring colors. The viewer stands before a tangle of gestures falling upon them, the violent action between the drama’s characters, the sweeping movements of the brush, the play of light and shadow. Intersecting planes: the nearest with the farthest. It is a return to a painterly space that corrals the viewer—Matejko’s tradition? Perhaps Chełmoński, who—as was once said about his “Foursome” – creates the illusion not “into the depth of the painting” but “toward reality.” This is also how the Mexicans’ murals work, brimming with an excess of configurations, surely not alien to the Painter of events seemingly mundane, yet monumentally expanded in scale and proportion.
Regardless of the anecdote suggested by the titles of the canvases, the viewer remains intimidated and amazed by the emotions that stir the protagonists of these lively narratives, by the difficult-to-grasp cause of the clamor, the accumulation of corporeality among people, and the dynamic, constant transformation to which all elements of recognizable – or seemingly recognizable – reality are subjected. And finally, by the relentless conflict of the individual with their surroundings, with a color palette that could support but rather often contradicts the laws of physics and even aesthetic harmony. An expressive opposition of everything against everything: the impression of tumult that is the source of this painting and defines its centrifugal energy. Scenes from both everyday hustle and extraordinary events confirm the presence of an ongoing drama. A reality stripped of ceremonial posture, convention, and ceremony. It is rather continuous struggle, mutual upheavals – to put it plainly: a fight.
Associations with sequences from Andrzej Wajda’s Wedding and simultaneously Wojciech Smarzowski come to mind for the viewer of Beata Bigaj’s “film” images of life saturated simultaneously with symbolic stigma and reportage of the mundane.
It might be considered genre painting – long abandoned in favor of photography, which draws its lineage from it – if not for the state of culmination of painterly energy, transforming the observed world into an expressed world. Yet Beata Bigaj chose observation as the measure of art: there is neither exaltation nor disdain for the world she sees around her. Most often it is close to her, the nearest. Traditions of realism as a cognitive approach and also as a historical style are recognizable, and the thought of Pieter Brueghel returns. From memory clichés, from her emotional, often unconscious threads, painterly eruptions arise. Sudden and rough – far from the utopia of beauty that art often builds with abstract ideas in mind. Here, it is even difficult to speak of the magical procedures of painting, and one can rather admire the strength and precision of the image’s expression. We find fidelity to her own experience – possessive seeing and painting in accordance with her temperament. And it is moving. Literally, because it offers no respite.
– Małgorzata Dorna, Utracone piekło realizmu. Misterium męki i ocalenia, 2018:
In Beata Bigaj’s painting, the sun never appears. Were it to appear, however, it would likely be a “black sun,” known from the poetry of French Symbolists or from the catastrophic texts of Polish Romantics. Here, there is no element of air or Earth. There is the element of fire and the sky. The sky, painted in a full range of heavy brownish reds to warm, pulsating browns, greens, violets, and blues, offers no solace. It does not lure with azure and calm, does not shelter under a semi-transparent dome, does not promise salvation, does not herald walks through somnambulistic gardens, does not foretell nonexistence, suspension in boundless spaces, or union in spiritual harmony with the Absolute. It does not seduce with the hope of immersion in the crystalline whiteness of clouds under a glassy eye, pierced by cold, indifferent Providence. The sky seethes and burns. Like in a Baroque concept, a literary idea, organizing an elaborate statement into a deeply experienced, ultimate, and astonishing whole. Yet, whereas the goal of Baroque art was to evoke wonder, disturb, and move, the goal of this painting is pure, in statu nascendi, EXPRESSION.
Following the example of representatives of the metaphysical current of 17th-century poetry, built on contrast and antithesis, creating the image of a besieged man, doomed to eternal struggle, experiencing the constant presence of death, Beata Bigaj records extreme, battling, sometimes mutually destructive, at other times mutually reinforcing, primal, untamed passions. With terrifying precision, she exposes and reveals the hidden elements of feelings, shown through the prism of deformation, grotesque, and caricatured exaggeration. Each of her works carries an enormous emotional charge, seeming to burst from within the conventionally limited frames that structure thematic sequences and cycles, attacking us from all sides in large-format paintings.
She does not accidentally abandon the rhythm of a structured narrative, the rhythm of a story unfolding linearly in time. She is, after all, a painter of fleeting moments and scenes, a painter of the physical, almost biological experience of the full tragedy, the intense presence of a human “here and now,” in a specific space and time. She is also a painter of dramatic theatrical gestures, apocalyptic visions – whatever that may mean today. Finally, she is an artist with a keen sense of color and form, of the organic matter of a life-pulsing, sensual texture of the painting. She paints with grandeur and passion, masterfully handling a light-suffused, softly applied, shimmering patch that suggests the impermanence and mutability of the “stirred world.” She seems to love color, yet the multitude of interpenetrating hues does not make her work joyful. She creates untamed and dark realms, spaces built on tension, full of dramatic counterpoints, dense, showing humanity in a simultaneous way, in close-up, both from within and without. A human torn, “split within themselves,” left to the mercy of loneliness in a crowd, exposed to the prey of an endless struggle with oneself, subjected (like to a gust of storm and wind) to the inevitability of Fate’s verdicts, to the painful certainty of ultimate defeat and despair.
For us, immersed in the magma of mass culture, for us, the “inhabitants of the mass imagination” (as the unforgettable KTT used to write in his catastrophic prophecy)[1], the presence of Beata Bigaj’s works gains significant, consequential meaning. We thus stand face to face with a work that compels us to look deep within ourselves, to forget convention, to peer into that abyss inside. “Be the best version of yourself” – we read on advertising billboards. Create your public image, improve your private image. Try on this mask and role. Speak with text. And reject the truth about yourself like an outdated, worn-out garment.
You can afford it. You are worth it. Worth this lipstick, this face. Match yourself with this face. It is a face destined for success, a harmonious and beautiful face, repeated (like in shards of a devilish mirror) in thousands of perfect copies. You can flaunt it gracefully along the streets of a clean, spotlighted (like by millions of artificial, blinding suns) modern city. A contemporary Legoland, built from modules of ecological, functional, well-designed houses. Buy yourself a “Bounty” bar. Feel the taste of Paradise within you. It is a sweet, coconut-scented, exotic, and so desirable taste of mass culture. Let yourself be carried away to idealized worlds, untouched even by the shadow of facts, untouched even by a breath of realism. After all, realism appears to a person of our century as a precisely aimed finger “right in the heart” of that troublesome, essentially unwanted and unloved, inelegant Truth. Worse still, if one refers to the expressive experiences of the “Young Wild Ones” from the 1980s of the past century, that finger appears rather as a swollen, dirty, and not very aesthetic “digit.” Avoid touching the digit. Forget about the Truth forever. Truth is uncomfortable and painful. Truth turns out to be an executioner without white gloves, with a mask of suffering on a hooded face, a mask that protects from grotesque ridicule. Truth ultimately kills. And only before It do we stand exposed and uncovered, without props, without roles, torn from cultural or social context.
“Every useful method and material serving expression is important for imagination, that is – for revealing the shape of experiences. We show what we do, our craft, to reveal thoughts and visions in their direct, often first form,” declared in March 1966 the founders of the Krakow Group “Wprost” on the occasion of the opening of their first programmatic exhibition in the Wyspiański Common Room at the Palace of Art. The members of the Group wanted to speak “directly,” in the language of painterly reportage, in a language close to “literature of fact,” exposing, baring to the limits of the viewer’s endurance the truth about man and the world. And it was a bitter, painful truth, questioned by the omnipresent censorship of the time, skillfully camouflaged by authorities using Orwellian “newspeak.”
In the 1970s, when large-format paintings by Zbylut Grzywacz – rendered in greys and pinks, and sometimes in pastel purples, perversely referencing the aesthetics of Romanticism – Jacek Waltos’s compositions, and the famous (decidedly more polished, aesthetic) Pietàs, doubled or tripled, marked by intentional ambiguities, doubts, and disbelief, began to be shown in the significant galleries of the Polish People’s Republic, scandals repeatedly erupted. The works of these rebels, leaving a clear imprint of their presence (so undesirable from the perspective of the representatives of the official cultural current of that period), rebels openly opposing abstraction and colorism, offended not only religious sensibilities, challenged accepted value systems, opposed academicism, but also provoked disgust with their lack of harmony, bluntness, and roughness of expression, sometimes with overt ugliness.
This need to speak “directly,” unambiguously, clearly, and bluntly, without numbing, was echoed (paradoxically rejecting all heritage and tradition) by the generation of expressionists of the 1980s. A generation whose dramatic voice had not yet resonated in the art salons, had not softened into a muted whisper, even though many members of that group are today professors at the Academy, running their own galleries and publishing houses. Expression is still present, as is the increasingly prominent need in our lives for theatricality, understood not superficially as a form of pretending, imitating, or donning masks and roles, but as a performative action beyond the stage. Beata Bigaj’s painting also transcends the plane confined by the frame, where, like in a lens, our anxieties and fears, our obsessions and turbulences, are concentrated, where the eternal mystery of suffering and redemption takes place. As in the realm of the sacred and myth, time here runs differently, becoming condensed, halted. This “circular time of eternal returns” (as Professor Maria Janion evocatively called it in lectures at the University of Gdańsk in the latter half of the past century) draws us into a magical circle, a circle of swirling, rising, and falling, barely clothed, half-naked, brightly lit bodies from the audience’s side. Bodies sculpted by artificial, aggressive light, twisted and large, sometimes crippled and lame, at other times massive, well-modeled, marked by the stamp of individuality, recognizable in the eternal procession. In the eternal procession of death and birth.
[1] Krzysztof Teodor Toeplitz, *Inhabitants of Mass Imagination*, Biblioteka Myśli Współczesnej, PWN, Warsaw 1970
– Stanisław Rodziński in: Beata Bigaj – Malarstwo/Grafika, Kraków 2007:
Beata Bigaj – considering the dates in her biographical note, is at the beginning of her creative journey.
However, when we look at her paintings, drawings, and graphics, we perceive at least two issues that already allow us to define this path as outstanding.
Beata Bigaj, in the midst of the turmoil prevailing in art, facing the destabilization and relativization of values, and even the meaning of painting – paints with persistence and fervor.
Admittedly, I read recently that the death of painting has been postponed for some time by curators and critics dealing with contemporary and fashionable art, but it is precisely Beata Bigaj who, through her painting, signals that nonsense does not matter, and the most important thing is the hours spent in front of the easel.
In the Artist’s paintings, we see people who are strong and muscular, but also helpless, homeless, and lonely.
We look at still lifes, and especially in her graphics, Beata Bigaj reveals in whites and grays the strength and drama present in the paintings.
Whether the human figures on the Artist’s large or smaller canvases are like in the polyptych “What is Truth” – Christ and the apostles surrounding him, or like in “Underground Queue” or the moving “Arena” – the painted people are equally lonely, tired, and suffering.
Even if they are strongmen with powerful biceps – it seems they are pretending, and sometimes they cover their faces so that paparazzi do not reveal the truth.
Thus, Beata Bigaj’s theater is a particular type of recurring, unchanging motif of “Ecce Homo,” a dramatic reflection on life and death, on the semblance of strength, on confusion and helplessness, but also on the truth, which the painter persistently seeks and gradually discovers step by step.
The path Beata Bigaj has chosen for herself and her painting is a difficult one because it is devoid of pretenses and effects.
Looking at the type of expression, the painting material, the color and structure of figures and objects – it is worth being aware that the Artist makes nothing easy for herself, and perhaps even sets herself increasingly difficult goals, taking risks equally related to both the content and form of the painted canvases.
This goal is the same as it was hundreds and tens of years ago.
It is simply about ensuring that painting is not a spectacular circus, but a very difficult, almost daily search for truth.
I see this persistence and strength in Beata Bigaj’s paintings.
Andrzej Siwek in: Beata Bigaj – Malarstwo/Grafika, Kraków 2007:
Colours and references
You can experience paintings of Beata Bigaj by impressions. You can be under the influence of the power of colours and gesture drama; you can get involved in looking for anecdotes. Immersing into the atmosphere will be fascinating. It’s difficult to stay indifferent to intensive red background, colours of blue, tones of violet, pink and green; the colours are deep, rich, even agressive; but they make the pictures innerly logical and focusing attention. You cannot ignore these expressive gestures, sometimes passionate and caught in motion. We recognise at once figures and objects met in the paintings, they make us play looking for the meanings, saying the essence. This kind of perception of Her paintings is the most simple, reachable for everyone, the most natural so to say. It can give a lot of aesthetic satisfaction, arouse emotions and reflections. This statement can be sufficient when you comment on Beata’s paintings. They attract attention, make an observer stop (!), elicit reactions, which is a big success in the modern rushing and stimulating world. In the world of omnipresent visual communication where each story is told by unequivocal moving pictures or ideograms. In this context dialogue with observers provoked by the authoress (who shows her sensitivity through colours, gestures and composition) is a kind of cultural phenomenon. Dialogue can be conducted in different ways. It can become a pretext for reflection about beauty, about people’s lot; it can be some kind of relaxation and intellectual entertainment. Dialogue depends on observer’s sensibility, on his or her preparedness to approve (or disapprove) things that are in the picture or things he or she can see there.
You cannot resist the reflection that perception of Beata Bigaj’s works by impressions is natural and satisfying but not sufficent. Her paintings are very rich. Appropriately prepared and aware of variety of culture observer can see it, can see more. Her works are academic in the best meaning of this word. Here we can find everything that academy was to give.
In the beginning academy was some kind of association of intellectualists. They discussed their thoughts, they taught by discussion, by searching for the truth and the essence of matters. Then Italian humanists and artists regenerated the idea of academy, discussed art and studied the masters’ works. In the course of time academies started teaching and became exclusive public institutions. However, if we do take interest in Florence Accademia delle Arti del Disegno of G. Vasari, or in the most respected 19th century academies, or finally in good old Cracow ASP (Academy of Fine Arts), they all have some common characteristic features. The essence of academic art is its intellectual dimension, virtuosity of craft, attitude to models, to reality, and being aware of tradition and necessity of getting to know the principles and rules of art. These principles were the matter of argument. Critics saw a curb in the principles. They contrasted Academy with liberated art. Though, it is easily forgotten that as times went by the most rebelled ones – Nazareners, impressionists, artists from the following avant-garde groups – turned into academics. Even those artists who rejected all the rules and principles wouldn’t have reached anything without them. What would be the point of fauvists rebellion, dadaists’ demonstrations, nonconformity of the informel, or action painting, and even the language of popart, or the performance if there was no tradition to rebel against?! Art does not bear divisions and categorisation is to desribe art.
But that is an art historian’s job – to describe the artistic event. Assuming that artistic creation belongs to one, continuous stream of cultural development, a connection can be drawn between (this or that) a painting and a specific artistic movement.
Looking at Beata Bigaj’s paintings we can find some connections with academic tradition. They are very elaborated. Bigaj observes carefully, she likes to have a model and use him to express indefinable feelings, emotions, impressions and thoughts. Her still life paintings also have a dual essence. In them there is observation of a thing, sometimes trivial or surprising (as an art object), sometimes chosen deliberately, almost personal. But not the virtuosy of presenting the object is the goal but painting message much more complicated than: “this is a bicycle in red and yellow”. Beata Bigaj says: For me painting is a possibility to catch different kinds of feelings towards reality.[1] Internal power emanates from Beata Bigaj’s paintings. It comes from combination of experiences, feelings, thoughts and technical dexterity, and talent makes the paintings original but not isolated from cultural context. The painter takes the trouble to search and discover. She says: Paintings become an attempt of presenting forms in space, tension between forms, isolated colours or colours appearing depending on proximity of other forms. This intelectual approach is similar to the ideas of Italian masters of renaissance. Bigaj is aware of traditions She refers to. She mentiones Michelangelo, Caravaggio, Goya, Picasso, Bacon. Some people find in her works connections with Soutin, De Kooning[2], Rouault, Fiorentini or Beccafumi.[3] There are more references we can think of – for example renaissance painters (as far as attitude to a painting as a philosophical problem is concerned) or the study of a model which reminds the Mantegnis’ passion to present the Laying Christ. However, better associations can be found – bravery in using colours, almost expressionism-like, smoothened by the reflexivity, typical for the experiences originating from S. Rodziński’s studio. The drama of a gesture, appreciated in the Cracow Academy from its very beginings, is presented in Malczewski’s paintings, with a deeply symbolic meaning, or in G.Bednarski’s graphics and paintings, in contemporary stylistics. Another reference to be made is undertaking the traditional iconographic leit motifs – starting with the study of a model and still life, to the act of Crucification, always present in the European Art.
Multitude of connotations and assotiations cannot explain the phenomenon of the artist. She is immersed in European tradition but still stays individual and unique. She finds original solutions to problems faced by classic artists. The artist shares her sensibility and her views on the world supported by the discipline of the painting method. Thus, it is not surprising that Her paintings gain interest and have already found their place in the National Museum in Cracow.
Paintings of Beata Bigaj are the element of dialogue between the artist, reality, tradition and an observer.
Referring to her own words, that while painting : ‘I am trying to fight the flatness of canvas, the matter itself, the form and the colour. The final artistic form is a result of many thoughts, and sensual, as well as metaphysical reception of the things observed, being thought over, and over.’ the artist tries to specify how the artistic form is created. Experiencing Her works is a fascinating adventure which gives us joy of watching and tests our sensitivity.
[1] All quotes from Beata Bigaj are originated from the publication of Ph dissertation “Figura i odniesienie” (‘Figure and its reference’), accepted by Krakow Academy of Fine Arts in 2005, Scientific-Artistic Sheets no 7.
[2] J. Waltoś, Review of the Ph thesis “Figura i odniesienie” (‘Figure and its reference’), mpis. 2005.
[3] G. Bednarski,„Opinie do …” (‘Opinions about…’), mpis. 1997, 2004.